Grupo f/64

GRUPO f/64

Despues del abandono definitivo de la estética pictorialista, y
la valoración y el reconocimiento de la fotografía por las vanguardias, surge una nueva tendencia, que descarta el uso de
procedimientos que ornamenten la fotografía clásica. Se buscaba
una mayor nitidez en la toma y el uso de temáticas cotidianas,
especialmente aquellas que brindaba la naturaleza. Tanto Edward Steichen, como Alfred Stieglitz y Paul Strand (1890-1976), aunque éste último no perteneció directamente a Photo Seseccion, fueron los antecedentes directos del Grupo f/64 y la fotografía directa, que habrían de ganar en auge durante los años siguientes a la Gran Guerra.
En 1917 Strand escribe:
El problema del fotógrafo es ver las limitaciones de su medio y al mismo tiempo sus cualidades potenciales. La honestidad y la intensidad de visión suponen un respeto al objeto, su más plena realización se obtiene sin trucos, mediante la fotografía directa. 
Edward Weston (1886-1958) fue un fotógrafo californiano,
pionero en el uso de la straight photography, denominación
que aludía al uso de la toma directa sin intervenciones en el
proceso ni de laboratorio, ni de revelado, ni compositivo. Para
Weston el artista debía visualizar de antemano el resultado
final. Su virtuosismo técnico exigía la claridad en la forma, la
perfecta delineación de la superficie de la imagen, para poder
apreciar sustancias y texturas hasta llegar a la ilusión. Sus temáticas siempre asociadas a la naturaleza, rescataban la belleza de la realidad.
En 1932 un grupo de jóvenes fotógrafos impresionados con
su trabajo formaron una sociedad a la que llamaron Grupo f/64.
Eligieron este término óptico porque generalmente, fijaban
sus lentes en esa abertura, para asegurarse una máxima nitidez
de imagen, tanto para el primer plano como para la lejanía.
Los miembros fundadores fueron Ansel Adams (1902-1984),
Imogen Cunningham (1883-1958), John Paul Edwards (1884-
1968), Sonya Noskowiak (1900-1975), Henry Swift (1891-
1962), Willard Van Dyke (1906-1986) y Edward Weston.
Formularon una estética que se basó en una serie de dogmas:
la fotografía debe ser nítidamente enfocada en cada detalle,
impresa por contacto en papel brillante blanco y negro,
montada sobre una superficie blanca, no debe ser manipulada
y su temática será alusiva a la realidad exclusivamente. Esta estética reaccionaba contra el estilo débil y sentimental que era habitual entre los fotógrafos artísticos de California en esa época.
La exposición inaugural del nuevo grupo se realizó en 1932,
en el M. H. Del Young Memorial Museum, de San Francisco.
Durante los años que existió esta sociedad informal fue la
más progresista de Estados Unidos, e incluso una vez disuelta
su influencia persistió siendo el Grupo f/64 sinónimo de la
fotografía directa.

EDWARD WESTON

Edward Weston, nacido en Illinois el 24 de Marzo de 1886, comenzó a realizar fotografías a los 16 años. Desde la corriente artística pictorialista de la época pronto destacó con su fotografía en blanco y negro. En 1906 se trasladó a California, donde permaneció trabajando gran parte de su vida. En 1911 abrió un estudio de retratos en Glendale, siendo miembro fundador en 1914 de Los Angeles Camera Pictorialist. Es ya en los años veinte donde su fotografía evolucionó hacia un estilo más abstracto y puro, bajo la influencia de Diego Rivera, amigo de su amante Tina Modotti, que lo llevó a México, donde montó un estudio y se relacionó con los movimientos artísticos del momento.
En esta época, colaboró en el Estridentismo por medio de publicaciones en las revistas Irradiador y Horizonte. Durante su estancia en México también mantuvo amistad con Manuel Álvarez Bravo y [Frida Kahlo(http://www.fridakahlo.com/). Regresó a California a mediados de la década de los 20, donde realizó sus trabajos más representativos. Trabajó sobre el terreno en el desierto de Mojave y se enfrentó al paisaje, abriéndose nuevos caminos creativos. Es en esta etapa cuando en sus trabajos fotográficos comenzó a emplear una gran profundidad de campo y un alto nivel de enfoqueen las escenas de paisajes y en sus retratos y de modo especial en los primeros planos de formas naturales poco usuales, que fueron las que le hicieron famoso posteriormente. La mayoría de su obra la realizó en unacámara de fuelle de 8?10 pulgadas lo que le permitía mayor nitidez y definición en las fotografías y poder obtener las copias en papel por contacto. En 1932 fue miembro fundador del grupo f/64 que propuso esta estética próxima al realismo, que se enfrenta a la concepción pictorialista de la fotografía.
En Weston, pervive la calidad tonal de su blanco y negro imbuidos en los objetos cotidianos, naturales o hechos por el hombre, con una elevada presencia que, a veces, los hace irreales. Es en 1930 cuando, en Nueva York, realizó su primera exposición individual y en 1932 cuando publicó su primer libro, “The Art of Edward Weston”. Se estableció, en 1935, en Santa Monica, donde encuentró lugares de gran inspiración, como las dunas de bahía de Océano. En los últimos años de su vida, su obra se hizo más sutil y diversa, casi íntima, aunque sin la fuerza de imágenes anteriores. En 1937 obtuvo una beca de la Fundación Solomon R.Guggenheim que fue la primera que se dio a un fotógrafo. Su último trabajo, 1948, lo realizó en la reserva de Point Lobos, estando ya afectado por la enfermedad de Parkinson. Murió 10 años más tarde en Wildcat Hill en Carmel Highlands en Big Sur.

En la obra de Weston, se conjugan la estética común a todos
los miembros del Grupo f/64, más las características propias
del arte del fotógrafo californiano. El uso de la fotografía directa,
sin aditivos, permite que la forma pura emerja en su
real belleza. Los contrastes de luces y sombras, fueron generados
antes de capturar la toma, que resulta de una nitidez
extrema, pudiéndose apreciar la carnación del cuerpo de
la modelo, como si fuera posible palparla. La imagen visual
trasciende su esencia, para despertar sensaciones táctiles.
La elección del encuadre logra un reconocimiento del objeto
en cuanto a su significado, pero jerarquiza la forma pura para
que el resultado, se perciba como una abstracción. 
Weston juega con las ambigüedades formales para hacerlas
más interesantes, utilizando el recurso del close up. Edward
Weston exprime las posibilidades que la cámara fotográfica
le ofrece, para presentar una realidad indistinguible a simple
vista, una realidad bañada de una estética bella que sólo un
artista de la imagen puede capturar.
Imogen fue miembro fundadora del Grupo f/64, y por lo tanto,
su fotografía se inscribe en la straight photography. Prefirió
las temáticas relacionadas con la naturaleza, que abarcan desde
el cuerpo humano, flores, capullos, cactus, estambres y
todo aquel material que le pudiera brindar su jardín. En esta
fotografía las calas se presentan con una nitidez casi palpable.
Para esta artista el ciclo de la fertilidad era un tema muy importante,
tanto asociada al hombre como a la naturaleza. La
morfología de las calas podría remitir a los órganos reproductores
humanos, el estambre al masculino, la corola al femenino.
Hay en Cunningham una mirada de mujer, delicada y sutil.
Los contrastes lumínicos, junto con la simpleza de la composición,
influencia del grabador japonés Utamaro, y la poesía
de las formas, hacen de esta toma un ejemplo de lo que el
conjunto de fotógrafos que participaron del Grupo f/64 quería
transmitir: la belleza de la cotidianidad.
Ansel Adams, además de trabajar la fotografía directa, al igual
que el resto de los fotógrafos del Grupo f/64, va a emplear en
sus tomas el llamado sistema zonal o graduación de grises,
dominando las características de la emulsión fotográfica, no
por prueba de laboratorio, sino con el propio equipo de trabajo
del fotógrafo. Gracias a esto, adquirió un gran virtuosismo en
el uso de la luz, logrando una amplia gama de matices, que hicieron
de su fotografía de paisajes, un registro único y poético
de la naturaleza pura. Compartió con sus colegas, el rechazo
a la manipulación de las tomas, y la obsesión por la nitidez en
todos los detalles de la imagen. La búsqueda de una estética
fotográfica propia, valiéndose de la técnica a su disposición y
de su sensibilidad le permitió plasmar paisajes de numerosos
parques nacionales norteamericanos como ningún otro artista
hasta ese momento.
Conclusiones
Así como el pincel, la tela, los pigmentos, la trementina, el
barniz, son las herramientas de las que se vale el pintor para
volcar su expresividad creativa dentro de un género artístico,
el fotógrafo también posee una serie de elementos constitutivos
de su oficio, principalmente, ellos forman parte del equipo
tecnológico que posee, pero además, maneja otra serie de
auxiliares que le son propios.
La luz, el encuadre, la composición, el ángulo de enfoque,
el momento de la toma, son decisiones que debe asumir el
artista y en las que vuelca su interioridad, transformando un
acto mecánico, el de sacar la fotografía con su cámara, en
una obra de arte.
Susan Sontag señala: “El triunfo más perdurable de la fotografía
ha sido su aptitud para descubrir belleza en lo humilde,
lo inane lo decrépito. Lo real tiene un pathos. Y ese pathos es
la belleza”. (1996 p. 112).
Para los fotógrafos del Grupo f/64 la realidad era la fuente
inacabable para sus temas de composición. La virtud que los
distinguió en su obra, es la capacidad de vislumbrar la belleza
y la poética en la cotidianidad que los rodeaba, explotando las
posibilidades técnicas de la cámara fotográfica, sin intervención
de manipulaciones ajenas al medio, combinándolas con
sus propias sensibilidades y gustos.
El fotógrafo alemán, Albert Renger- Patzsch, seguidor de la
fotografía directa, señala con simpleza, citado por Newhall,
las posibilidades que emanan del uso exclusivo del lenguaje
propio del medio, al decir: ”procuremos con medios fotográficos
crear fotos que se sostengan por si solas, debido a su carácter
fotográfico, sin pedir nada a otras artes”.

ANSEL ADAMS

Nacido en San Francisco, en 1902, Ansel Adams recibió una educación muy liberal. Desde muy pequeño mostró
cualidades para la música. A la edad de 14 años viaja con su familia a Yosemite Valley, California, cuando realiza por primera vez fotografías de este lugar, gracias a una cámara Kodak Box Brownie que le regalaron sus padres para el
viaje. A partir de ese momento no dejará nunca de viajar a ese parque nacional, fascinado por la naturaleza. En 1925 decide dedicarse profesionalmente a la música, como intérprete de piano.
En 1927 publica sus primeras fotografías de parajes naturales, Parmelian Prints of the High Sierras. En 1930 conoce a Paul Strand, lo que le ayudará a decidirse finalmente por la fotografía como profesión. Pocos meses después, Ansel Adams, junto a Strand, Edward Weston e Imogen Cunningham, funda el Grupo f/64, una aproximación a la perfecta realización de fotografías, caracterizada por la utilización de cámaras de gran formato y números muy altos de diafragma, con los que se obtiene la máxima profundidad de campo. Con esta técnica se consiguen alcanzar las
cotas más altas de realismo, es decir, una altísima nitidez y definición de la imagen negativa así como del positivo final.
En 1933, Ansel Adams coincide con Alfred Stieglitz que había fundado una Galería de Fotografía, donde expondrá
Adams sus trabajos.
En 1939, colabora con Beaumont y Nancy Newhall en la creación del departamento de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York, uno de los primeros del mundo en tradición e importancia.
En 1940, participa en el primer curso de fotografía, organizado por el U. S. Camera Photographic Forum, celebrado en Yosemite con la presencia de Edward Weston. Con motivo de encargos del Gobierno de los EE.UU. y de empresas privadas, Ansel Adams realiza numerosas fotografías de parques nacionales de todo el país. Sus fotografías de paisajes abruptos y espectaculares empezaron a
hacerse realmente muy populares en todo el país. Sus series del Yosemite National Park y de Sierra Nevada están entre
las más conocidas y apreciadas. Para poder mantener esta actividad artística, Ansel Adams realiza fotografías comerciales para empresas, para felicitaciones de Navidad, Calendarios, libros corporativos, etc. En el curso 1944-45, y a partir de una serie de talleres de fotografía que imparte, la California School of Fina Arts
(después conocida como San Francisco Art Institute) funda uno de los primeros departamentos universitarios de fotografía de los Estados Unidos. En 1949, la empresa Polaroid le encarga probar los primeros prototipos de su sistema de película de autorrevelado, con
el fin de explorar sus posibilidades técnicas y creativas. En 1953, colabora con Dorothea Lange en la realización de un ensayo fotográfico sobre la vida de los mormones en Utah.
En 1966, es nombrado Fellow de la American Academy of Arts and Sciences. Hacia 1970 sus fotografías alcanzan los precios más altos en el mercado de la fotografía artística.
Durante estos años, publica sus conocidas obras The Camera, The Negative y The Print, en los que expone con extraordinario rigor científico su conocida técnica del sistema de zonas, mucho más que una técnica de trabajo, y más una filosofía o concepción de la naturaleza del trabajo fotográfico. En 1979, publica su obra Yosemite and the Range of Light, de la que se vendieron 200.000 ejemplares, algo absolutamente inédito en la historia de la fotografía.
Muere en 1984, dejando un legado artístico de incalculable valor.

IMOGEN CUNNINGHAM

Nació el 12 de abril de 1883 en Pórtland, Oregon y creció en Seattle, Washington. Fue la primera hija de un matrimonio de granjeros, los cuales no aprobaban su dedicación a la fotografía. Para su padre seria solo una "sucia fotógrafa". Su carrera en la fotografía comienza en 1901 mientras estudiaba Química en la universidad de Washington. En ese momento conoce la obra de Gertrude Käsebier, quien fuera una de sus principales influencias. Motivada por la obra de Käsebier adquiere su primera cámara  por U$S15 y un manual de fotografía en una escuela de enseñanza por correspondencia. También por esa época, uno de sus profesores le recomendó utilizar la química para tener un respaldo científico en su carrera como fotógrafa y empezó a investigar y trabajar con los procesos químicos utilizados en la misma. Para poder cubrir sus gastos trabajó como secretaria de su profesor de química y tomó imágenes de plantas para el departamento de botánica de esa universidad. Su tesis de graduación fue titulada “Procesos modernos de Fotografía". Durante este período realiza uno de sus autorretratos más conocidos, donde se la ve desnuda sobre la hierba, algo poco habitual en la época. Cunningham tuvo como uno de sus temas principales la representación del cuerpo humano, e hizo mas tarde una serie de retratos de su marido en el Parque Nacional del Monte Rainier que se consideran unas de las primeras aproximaciones a la fotografía de desnudo masculino. Por este tipo de trabajos, poco comunes en esa época, fue tildada de provocadora. Sus desnudos conmocionaron a los habitantes del Seattle de comienzos de siglo XX, no habituados a este tipo de expresiones artísticas.
 En 1907, después de graduarse, empieza a trabajar en el estudio de Edgard Curtis, en Seattle, donde adquirió conocimientos y práctica en la toma de retratos, la técnica de la platinotipia y aprendió a retocar negativos. En una entrevista que le hicieron en 1975, indica que pese a trabajar para Curtis dos años, lo vio solamente en dos oportunidades durante ese tiempo, y que los conocimientos que adquirió fueron gracias a otro trabajador del laboratorio, un alemán llamado Muhr.
  En 1909 recibe una beca para estudiar en la Escuela Superior de Dresde (Alemania), en donde realizo un estudio comparativo entre los distintos métodos de platinotipia. A su regreso de Alemania abrió su propio estudio de retratos en Seattle y fue la única fotógrafa que fue miembro fundador de la Sociedad de Artistas de Seattle. Por esa época publica también un articulo llamado “Fotografía como profesión para mujeres”, en el que insta a las mujeres a aprender carreras profesionales, intentando hacer algo para y por si mismas.
  Imogen había realizado ya varias exposiciones en conjunto con otros artistas hasta que en 1914 sus obras son expuestas en solitario por primera vez, en el Instituto de Artes y Ciencias de Brooklyn.    Se casa con Roi Partridge, un grabador de esa misma ciudad, con quien tiene a su hijo Gryffyd. En 1915, tras el matrimonio, Imogen cierra su estudio y se muda con su familia a California, en donde nacen los gemelos Rondal y Padraic. Por esa época y por dedicarse a su familia, deja de trabajar comercialmente y la mayor parte de su trabajo se cierne en torno a la fotografía de sus hijos y de las plantas de su propio jardín. El matrimonio entre Imogen y Roi culmina en 1934, año en que firmaron el divorcio.  
 En 1918 conoce a Dorothea Lange, con quien traba amistad y que a posteriori se convertiría en mentora de la carrera de Rondal como fotógrafo, habiéndola asistido desde los 16 años.
  En 1921, después de mucho tiempo sin trabajar, es contratada por el Adolph Bolm Ballet Intime para tomar algunas fotografías de sus miembros.
  En 1922 se une a la sociedad de fotógrafos pictóricos de Norteamérica.
  En 1923 realiza sus primeras dobles exposiciones, la primera de ellas es una fotografía de su madre trabajadora con una corona de cucharas de plata. 
 En el año 1929 participa en la exposición Werkbund, de Stuttgart.  En esa exposición exhibió lo que denominaba Blumenformen (formas florales). Las fotografías que utilizo para esta muestra fueron tomadas entre 1922 y 1929. Muchos de sus trabajos ya por esta década se alejaban del pictorialismo. Había comenzado a utilizar diafragmas cerrados con la intención de mostrar mayor nitidez, volumen y realismo, lo cual le resulto especialmente conveniente para sus trabajos de botánica.
 Fue incluida en la exposición pictórica de la sociedad fotográfica en el palacio de la Legión de Honor en San Francisco, California.
 Entre 1931 y 1936 colabora con la revista Vannity Fair. Los editores de esta revista conocieron la obra de Imogen a través de las innovadoras dobles exposiciones que hizo de Martha Graham y de José Limón. Estas dobles exposiciones fueron tomadas con la intención de mostrar el movimiento de los bailarines durante la danza. En los años posteriores retrató a numerosos personajes conocidos, como a los actores Cary Grant, Spencer Tracy, la pintora Frida Kalo y el presidente de EEUU, Herbert Hoover.
 En 1932 funda el grupo f64 junto a Willard Van Dyke, Ansel Adams, Edward Weston, Sonya Noskowiak, John Paul Edwards y Henry Swift. Se alejaban del pictorialismo utilizando como método de captura de imágenes la toma pura, sin intervenciones. Precisamente el nombre de esta agrupación se debía a que ese diafragma, el más cerrado, permite una mayor nitidez y profundidad de campo. En el manifiesto de f64 se promulgaba el uso de “métodos puramente fotográficos”. Este grupo fue reconocido como pionero en la renovación de la fotografía en la costa oeste de USA. Se disolvió tras aproximadamente dos años de funcionamiento.
 Entre 1932 y 1935 da clases como maestra invitada en la Escuela Californiana de artes y oficios, ubicada en Oakland, y en el Instituto de Artes de San Francisco.
 Durante esta década del 30 estados unidos se vio inmerso en una crisis económica que llevo a muchos fotógrafos a realizar imágenes urbanas con alto contenido social. Cunningham, si bien tomo algunas fotografías de ese tipo, no se intereso particularmente en esos trabajos.
 En 1946, 1947 y 1950 es profesora en la Escuela de Bellas Artes de California, en San Francisco también y en 1958 se une al grupo de fotógrafos de Bay Area.
  Durante el año 1959 realiza una fotografía que aún se considera el primer desnudo de una mujer embarazada. Cunningham acostumbraba realizar largas sesiones con sus modelos, por lo cual existen varias versiones de “Embarazada desnuda”. De acuerdo a Juliet Hacking con el encuadre que utilizo en esa imagen, la fotógrafa muestra preocupación por la presencia física de la mujer y los cambios formales de su cuerpo otorgándole cierta cualidad de escultura, a su vez la autora indica que “se concentro completamente en el centro del cuerpo, el vientre redondo y los pechos, obviando cabeza y extremidades. A ojos de la cámara, todo se funde y resulta en una fotografía donde verdad y chamanismo neolítico, realidad y escultura, se correlacionan de forma fascinante” e indica además que la fotografía directa, de la que esta imagen es exponente, “conduce a la estetización del objeto que en última instancia lo elevaba por encima de la mera realidad”. Les interesaba la fotografía donde forma y realidad se unían y que conducían a una nueva experiencia visual.
 En 1974 se crea la fundación “The Imogen Cunningham Trust”, para conservar sus obras. Esta organización, iniciada por la misma Imogen y sus hijos, se mantiene con la comercialización de las obras producidas por la fotógrafa.
 A los 92 años comenzó el que fue su último trabajo al que denominó “La vida después de los 90”, una colección de fotografías de ancianos que quedó inconclusa por su muerte, producida el 23 de junio de 1976 a los 93 años, en la ciudad de San Francisco.